万引き家族、30年後の同窓会、あさがおと加瀬さん、ニンジャバットマン、アローン、母という名の女

映画観てますね…。


万引き家族
30年後の同窓会
これは同じ日に観たせいもあるのか、共通して感じたことがあって。
二作品とも、会話の組み方が独特なんだよね。
映画の中の会話は、シーンごとにその会話で出さなきゃいけない情報というのがあって、概ねそこに向かっていくように設計されてると思うんだけど、それがこの二作ではとても薄い。
必要な情報の配置がわりと適当で、殊更重要じゃなさそうにスルーされてたりする。というか、会話がただの雑談に見えるという場面がかなり多い。
万引き家族なんか、狭い空間で複数の会話が交差してたりして、意識のフォーカスみたいなところにも問題が飛び火してくる。
パンフ読んでみると案の定二作の監督のやり方には共通点がある。
即興を許容して演出に広く取り入れているということ。
万引き家族の後半の取り調べシーンなんかは大部分即興らしいし。
それがある種映画的でないような独特の会話シーンのもとになっているんだろうな。
是枝監督と言えば過去作でまだ観ていなかった『歩いても、歩いても』も最近ようやく観たのだけど、これも何でもない会話の背後に潜んでいるものが映画の核になっている話だった。


あさがおと加瀬さん
ニンジャバットマン
この時はアニメづいててこういう感じで観に行ってたんだよね。
というか加瀬さんに関しては朝起きたらあっ、なんか観たい、と思いなんとなく行った感じで、ニンジャバットマンも見るつもりなかったのだけどIGNのレビューで「突き抜けてバカげた作品」などと書かれており気になって観に行く…という、どっちも計画外鑑賞で。
加瀬さん、佐藤卓哉監督のカラーがよく出ていた感じで、特にあの光に浸したような画作りは特異なものという感じが。珍しいのが監督が音響監督も兼任しているということで、映像と音響と呼応して、スローで静謐な独特の空気感を生んでいて。素朴な小品という風にも見えるけど、その実繊細で手の行き届いた作品だったかなと。邦画アニメ映画で単発でこういうものが生まれてるってなんかいいねと。
ニンジャバットマンは全く真逆なのですけど、もうハチャメチャ。
スタッフからも分かる通りというか、グレンラガン、キルラキルの際限なくエスカレートしていくノリが、超絶映像でかなり精度高く実現されてしまっている。清々しいほど中身がない、しかしビジュアルが圧倒的で楽しすぎる。ジョジョ的なケレン味溢れる止め絵、あり得ない軌道を描くカメラのコンビネーションに、日本画のテイストを注入。実験的なアートアニメ的な舵取りも勢いでこなす。
これはもう単純に目が狂喜する、見ていて楽しい、これぞ映画、これぞアニメな作品という感じですかね。あと何気にハーレイ・クイン CV:釘宮理恵という特大のホームランを決めている一作でもありそこだけでも観に行く価値がある。


アローン
これは実に分かり易く、狙撃兵が砂漠の真ん中で地雷を踏んで身動きできなくなり、立ち往生するという内容。
無線で助けを呼ぶと、52時間後には救助が到着するとか言われる。さっき激烈な砂嵐に耐えたばっかなんだぞ、アホか。もしくは、自力で脱出してもいいとも言ってくる。踏んで即座に起爆しないのは旧式の地雷で、全体の7%はもう作動しなくなっているらしい。7%。悪くない。
この映画、オープニングがあるモラルチョイスから始まるという点、舞台がはっきりと定められていない点とか見ても実に寓話的な話で、寓話と言えば昨年のダグ・リーマンの傑作『ザ・ウォール』もそんなとこがあったなとか。主人公が極限まで限定された一点から広い視野を想像する話というのはロドリゴ・コルテスの『リミット』か。
『リミット』では平面的な、地理的な広がりとしての世界を地中の狭い棺桶の中から想像するという話だったわけだけど、こちらでは時間的な、主人公の人生全体へと視野が広がっている。そのことは映画冒頭で示されていて、回想があるのだけど、ここで回想されている時間軸というのが映画を最後まで観たときにかなり驚かされる。
映画として緊張を途切れさせない為にそうしてると思うのだけど、渇きと精神の疲弊がもたらす意識の混濁が、現実の光景と心象風景をシームレスに混ぜ合わせる。これが実にいい効果をあげていて、幻想的な観たことのない映像を見せると同時に、主人公と一緒に映画の上映中途切れることの無い極限状況に置かれるようなアトラクション的な感覚をも喚起する。
『ドント・ブリーズ』ばりの静寂演出も見事なもので、観客は自身も息を潜めることによって主人公と同調する。
戦場ソリッドシチュものは面白い映画がどんどん出てくるな。


母という名の女
これは『ある終焉』のミシェル・フランコ監督の最新作。
十代で妊娠した娘が助けを求めてきて、母がやって来るのだが、この母がとんでもない人で、娘からあらゆるものを奪っていくという…なんでそんなことするの?って何度も思わされるのだが、その答えは映画の中では明示されない。
というか、この監督の映画は常にそうだ。答えがはっきりと描かれることはない。
では曖昧な演出をしているのかというとそうではなくて、むしろ明晰、あまりにも明晰すぎるがゆえに解らない、という逆接が起きている。
劇伴を用いない。カメラは固定か、必要最低限の移動を伴う長回し。ズームやアップなどの演出の意思を感じさせる動きはほぼ見せない。モノローグもフラッシュバックもない。スローモーションなど映像の加工は勿論ない。照明は基本的に自然光かその場の照明を用いる。
きわめて即物的で、ただポンと放り出された状況に対して、観客が情報を読み取ることを求める。
前作に引き続き人間の内面を主題に置いてはいるけれど、普通の映画のようにその闇に光を当てるようなことはしない。ただ闇のままカメラの前に置いてくる。今回は女性の話だからなのか、そんな解らない不気味さが前作より際立って見えた。
無演出ではあるけど、画面の中で起こる事自体は衝撃的すぎることばかりで、退屈ということは全くない。
そしてやはり車内の後部座席や歩く人間の頭の後ろから捉えたショットの不安で不穏な感触がすばらしい。
この人以外ありえない、観始めてすぐにこの監督だなと分かる、独特過ぎる映像を作るという面でも、とても面白い監督、映画だと思う。

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The Pitch 『s/t [κασέτα]』 Phurpa 『Chod Ritual : Grotta Santarcangelo』 Taumatrop 『For John Ayrton Paris』 Neit Welch & Rutger Zuydervelt 『Tides』

暖かいを通り越して暑い日が続いていますね。
梅雨の足音も感じさせない気持ちのいい晴天ですが…
皆さん、壁、凝視してますか?
というわけで、こんな気持ちのいい季節に壁を凝視しながら聴きたい持続音をセレクトしました。
よろしくお願いします。



というわけで、まずこれ。
Grannyから出たばっかりのカセット。
打楽器奏者Morten J. Olsen モーテン・J・オルセンを中心とした不定形持続音楽団The Pitch。
タイトル、読めねえよ!って感じなんだけど、s/tって書いてあるし、あっちの言葉でThe Pitchって書いただけなのかなぁ…?
で、今回の編成は4人の小さなもの。
ビブラフォン(いわゆる鉄琴)とテープディレイを操作するオルセン中心に、アップライトベース、クラリネット、電気オルガンにエレクトロニクス。
アコースティック楽器を中心にそれを加工することで持続音を生むスタイル。
様々な楽器のアンサンブルという点、またサクッと音のピッチを切り換えてくる点などから、意外と展開のある音楽的な持続音という印象。
アンビエント寄りというか。
音のあたりも柔らかくて、壁を見つめる際だけでなく外歩き時に聴く持続音としても良さそう。


phurpa.jpg

Phurpa 『Chod Ritual : Grotta Santarcangelo』
これはデジタルないんで、各自art into life屋さんで注文してくださーーーい!
て感じでここでも何度も書いてますPhurpa。ロシアでチベット密教の儀式の再現パフォーマンスを行っているクレイジーな集団。
Old Europa Cafeってレーベル名、一見シャレオな感じだけど、その実ダークアンビエント/パワーエレクトロニクス系のエッグいのばっか出してます。
で、この盤。今回はライヴ盤。
78分間ミッシリと詰まった内容は、昨年夏、イタリアでのライヴパフォーマンス。
で、なんかこれがでかい洞窟でやっているとのこと。
そのせいなのか、まーたエグい音になっちゃってる。
声のSUNN O)))って前書いたけど、その路線で(てかこの人達はどの音源もしている事は一緒なのだが)ドゥーミーな地獄の低域持続音が延々と続く。
反響によってモアレ状になった倍音、音量を上げれば息苦しさすら感じさせる。
この人達の音源聴くときよくやるのだが、壁を見つめるだけでなく真っ暗の部屋で聴いても非常に良い!
目を閉じて想像力の羽を広げれば、その羽むしり取られて底なしの虚ろな大穴をただただ落ちていくような感覚に囚われる。
ほんと、重ね重ね…どの音源も同じなんだけど、どの音源も素晴らしい!


confront.jpg

Taumatrop 『For John Ayrton Paris』
はーい、これもart into life屋さんに頼んで入荷して貰ってね。
というわけで金属の缶に入ったパッケージも音のイメージとバッチリきてて素晴らしいイギリスの老舗レーベルConfrontのものを二枚紹介。
まずはこちら。
アルバムタイトルにあるJohn Ayrton Paris ジョン・エアトン・パリ、この人は誰かというと、Thaumatrope ソーマトロープというおもちゃがあって、あのグルグル回って描いてある絵がアニメのように動くやつの原型の原型みたいなものなんだけど、それを作ったのがこの人。本業は医者らしいけど。
で、このソーマトロープというのが恐らく彼らのユニット名のもとになっていると。
Ferran Fages フィラン・フェイゲスと Eduard Márquez エドゥアルド・マルケスのスペイン人デュオなのだが、マルケスはギターで、フェイゲスのほうは自作のエレクトロニックデバイスを用いている。彼のほうがリスペクトを込めてこの名前にしているということなのかも。
でこのアルバム。
まさに壁を鑑賞しながらのリスニングにぴったりな、直球の電子系持続音。
モンモンと唸る低域の上でフィードバックのような高域が何気に様々な形でサウンドを彩る。その波紋が広がっていくための余韻もたっぷり用意されている。繊細でキンと冷えたような持続音はこれからの季節に対応している感もありオススメ。
24分ワントラック。




Neit Welch & Rutger Zuydervelt 『Tides』
同じくConfontから。
Machinefabriek マシーネンファブリークことRutger Zuydervelt ルトガー・ツァイトベルト氏は電子音楽界ではかなりの有名人でゲームサントラなども幅広く手掛ける電子音楽家だけど、ドローンアーティストとしてもかなりの個性派だったりする。
例えば本名名義で出しているものに『Stay Tuned』というアルバムがあって、それはこんなもの。
楽器のチューニングの際の基準音として使われるA(ラ)の音、これの持続音を世界中の実験音楽家に出してもらい、なんと153種類集める。それらを組み合わせて作成した全一曲構成のドローンアルバム……。
まぁそんな人が今回やっているのは、アメリカのサックス奏者 Neit Welch ネイト・ウェルチの演奏をライブでリアルタイムに捉えループを作成、それに呼応してウェルチが更に演奏…という生演奏ドローンセッション。
38分一曲。
サックスの演奏をドローン化するというひたすらにそれで、かなりダークかつヘヴィな金属系持続音が鳴っている。
まずもってサウンドの質感が素晴らしく、生々しい重みと濁り、揺れを伴ったディープな響きが脳幹を揺さぶる音響に恍惚とさせられる。
ストリングス的に聴こえる箇所もあればオルガン的に聴こえる箇所もあり、このあたりはツァイトベルトの高い音響生成技術が光っている感じだろう。
睨んでいる壁がドロドロと溶解していくような妄想に苛まれる、コクのある持続音。
ぜひ。


ウェルチ氏は普段からサックスでの持続演奏をやっているっぽい


そんな感じで、皆さんも壁を凝視しながら聴くと気持ちいい音楽を探してみて下さい!

『ビューティフル・デイ』エンディングはどういう意味なのだろう




ツイッターネタの使い回しですみませんが自分で見てなかなか面白いですこれは
ドキュメンタリーなんか昨年はかなり観てたのに確かに今年はまだあんまりパッとしたもの無いかも とか思う


で本題なんですが…
ビューティフル・デイ、見てから日が経つにつれ好きになっていて。
それで気になっているのがあのエンディングの意味。
いろいろ考えていて、それを整理して少し書きます。なにかご意見や他の解釈あればお聞かせ下さい。
ネタバレなので続きで


SNH 『EP-1』 撥現鏡斗 『The Unnamable』 Straytone 『Track 12』

最近Obscure Sound Researchのデジタル三作同時リリースの一環で、自分の参加作もひとつ出してもらいました。
それについて。
まぁ内容については各作品ページにも記述があるんで、簡単に紹介だけって感じですけど。



シンセトリオ。6曲それぞれにはっきりとサウンドの方向性が定まっていて、サウンドバリエーション豊かな中には例えばテクノ的なビートが導入されていたりと、キャッチ-な楽しさもある感じですかね。
様々なシンセの個性的な電子音が絡まって、また音のエッジの立った録音も相俟り、この手の機材好きにはたまらん内容でもあるなと。



これは我々の作品。ベースギターとパッチシンセのデュオ。
なぜか近年我々の間でラヴクラフトとそれに連なるコズミックホラーの再評価があり、それに伴ってこの作品タイトルになっています。
自分的にはやっていることはこれまでの延長というか、もうシンプルにベースギターというデバイスを用いたサウンドバリエーションということなんで。そういう感じで例によってノイズ/ドローンを試しています。





straytoneによるシンセソロは、場面によって音を入れ換えつつも電子音による自動生成的アプローチのミニマル/ドローンで統一された内容。
アートワークから想像できる通り(?)、シンプルに提示された音の手触り、ディティールを耳で触れて味わう音源かな。


まぁそんな感じでどれも良い内容ですので聴いてみて下さい。

レディ・バード、ビューティフル・デイ、或る終焉、ギフテッド

このところ、有楽町で映画を観るのが好きで。
もともとシャンテや角川シネマ、ヒューマントラストがあって洋邦問わずミニシアター系に強い街だったのが、最近IMAXシアター抱えた東宝まで出来て大作も…と隙がなくなった感じ。
あと有楽町ってメシ食うところが無限にあるとこがいいっすね。
安くて雰囲気的にも気を使わない感じの店が地下に無数にある。
メシということで言うと、東宝と楽天地のある錦糸町も結構面白いですけどね。
てなわけで今日は映画。


レディ・バード
これはマンブルコアを咀嚼して栄養にしたあとの青春映画かなと。
物語に大きな筋があるわけじゃなく、小さなエピソードの大量の集積でできている。で、そのエピソードも細切れになってて、あ、今のこれってさっきのあれと繋がってるんだ、みたいな形で、見ていくうちに地図が描けてくる。
カットが短くて、時間軸の跳び方や物事の途中から場面が始まるような描き方、にも関わらず混乱しない絶妙な編集。
やっぱ青春映画って思い出し視点で見ちゃうとこがあるけど、思い出せる記憶って自分もわりと散文的で要点を中心にした短いカットの形をとってるかなと思ったり。
見ながら『ターネーション』とか思い出して、そしたらこの映画の粒子の粗いローファイな映像の感じも親密さがあっていいなとか。
物語以前というか、何でもないことの尊さが沁みるね。いい映画。


ビューティフル・デイ
幼少期に受けた虐待と過去の従軍経験で心が壊れた男が、暴力・殺人ありのイリーガルな人捜しの仕事をやっている。依頼である女の子を捜すことになる、その過程を追うことが、この男の内面にも分け入っていく旅になる…という話。
『少年は残酷な弓を射る』のラムジー監督ということで、映像スパッスパッと省略/切断で見せていく映像センスとか非常にカッコよろしいのだけど、この映画に関しては何といっても音響かな。
変拍子、ポリリズム、ドローン、ノイズといったアブストラクトな音楽、それに電車の通過音や自動車のエンジン音を暴力的なエッジで捉えた環境音。これらが等価に提示され、混ざり合いどちらがどちらなのか分からなくなっていく。そのことは男の内面がスクリーン上の現実世界に溶け出していくということでもあって、つまりはモノローグもなく台詞も極端に少ないこの映画の中にあって音響が何よりも饒舌に感情を語っている。
『メッセージ』、『マザー!』辺りのヨハン・ヨハンソンのアプローチにも接近するこの方法論は、音楽を手掛けたジョニー・グリーンウッドの功績は勿論のこと、サウンドデザインのポール・デイビスという人の仕事も大きいんじゃないかな。それを表すようにエンドロールの最初の方ででっかく名前が出てくる。
あと少年残酷弓と言えば思い出すのがエズラ・ミラーのガリガリボディなのだけど、今回のこの作品もホアキン・フェニックスのたるんだボディに言葉よりも雄弁に主人公ジョーの歩んできた人生が刻まれているようだった。
暴力を発動する意思とその凄惨な結果だけが描かれるようなバイオレンス描写もドライで激カッコイイ。
『マジカル・ガール』とかあのへんにも近いものを感じる。


こっから二本は映画館でなくアマゾンビデオで観た旧作


或る終焉
ミシェル・フランコというメキシコの監督がいて、今月『母という名の女』という新作をやるんで、予習がてらに観たのが監督が以前に作ったこれ。
デヴィッドという中年男性が主人公で、終末介護の仕事をしている。というと、ヒューマンドラマかな?と思うけど、そうでもない。
というか、これ、ジャンル何だろう?って感じなのだけど。
ある種ハネケ的な、物自体というか、被写体がただそこにあって偶然カメラが回ってるみたいな撮り方をするんだよね。固定か、最低限の機械的なパンだけするカメラ、劇伴音楽もなし。それで人間の汚いこと、見たくないものもそのままカメラの前に放り出されてる。
静寂と緊張感がずっと続く。
ずっと献身的に介護していても、食後のテレビを並んで見ているときにふっと「死にたい」とか言われる。そういう仕事をしてく中で内面に澱のように闇がわだかまってっちゃうという話。
本当に静かな映画だけど、映像に異様な強度があり、退屈はまったくない。最初と最後のカットが数分間の長回しになっているのだが、これがまた凄まじい映像。
やっぱ映画って最初のカット・最後のカット・タイトルバックで100点満点中の70点は決まるよなってのを僕は思ってるんですけど。理不尽な配点だけどさ。
まあこれは凄い内容。重いけど是非見てみて下さい。


ギフテッド
これは『アメイジング・スパイダーマン』のマーク・ウェッブ監督が同シリーズを降板になってから低予算で撮った映画で。確か昨年か一昨年。
驚異的な計算能力を持った"ギフテッド"である7歳の少女と、この子を養っていて普通の人生を送ってほしいと思っている叔父の話。
まぁささやかでありふれた話だねと。
でも、これがべらぼうに良いんだよね。
その良さもきわめて単純なそれで、つまり映像がこの上なく美しい。
それは画面のデザイン、具体的には配色つまりカラーパレットの選択管理と色の配置によっている。
とにかく全てのカットが美しい。一時停止したときに、これは、っていう一枚絵になってる。そしてそのことが、作品の言わんとすることと見事に同じ方を向く。つまり、この世界は美しいという信頼。あるいは、子どもにその世界を贈るってことだから、願いかも。
役者の演技も子役から脇に至るまでことごとく素晴らしく、涙腺絞られる。
隣に住んでるおばさんと踊るシーン、病院の待合室のシーンというのが、これは是非見て欲しいんですけど、もう本当に最高のシーンで。
エンドロールの曲もスゲー良くて歌詞も本編と呼応していたりと隙がない。
ありふれた物語が映像ならではのディティールでこんなに輝いてる。繰り返しになるけどメチャクチャ良かったです。


あとは何ですかね。
先日『オトメの帝国』13巻出たけど、これ自分が唯一デジタルアナログ両方買ってるマンガで。
いや素晴らしいですね。
通常マンガって10巻を超えて良さを保ち続けるのは本当に難しくて。どうしても複雑化するキャラクター間の利害調整に終始して勢いがなくなるような事態に巻き込まれていく。
更に言えば、この作品に関してはある時点から(最近改めて読み返したところ、単行本4~5巻あたりから?)やっていることはずっと同じで。日常のありふれたやり取りの中で不意に現れる崇高ですらあるような美しい一瞬を切り取ること、これのみ。
それがこうも巻を重ねて輝きを失わないのはなぜなのか?
この巻の一話目でもうそれははっきり描き込まれてるわけですよ。メインキャラクターたちが入り乱れて顔を合わせるこのエピソード。
ストレスや摩擦がないこと、それすら超えて、もうこの作品は美しいことしか描かないと決めたんだろうなって。この世界は素晴らしいし君は美しい、それでいい。そういう決意表面ですよね、これは。
その一番軽薄に見えて実際には恐るべきことが、しかしポップに描かれている。控えめに言って奇跡。
「タクラマカンはウイグル自治区にある砂漠だよ」。
いや凄いね。参ってしまいました。

 

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